o caos da informação

Will avalia candidatos para um experimento inusitado: o escolhido terá a oportunidade de viver. Sentir o lado ruim e bom do ser humano. Os candidatos passam por etapas com questionamentos que os fazem refletir sobre situações extremas. Dependendo do comportamento o candidato é eliminado por Will. Os eliminados ganham um momento breve sobre algo que mais gostaram de vivenciar durante o experimento. Apesar de saber que somente um será escolhido o que importa dentro do roteiro são as jornadas de cada personagem e os questionamentos levantados. Will também se vê obcecado por Amanda, uma jovem que ele acompanha por fitas cassetes e que sofre um acidente de carro. O protagonista tenta compreender as motivações que a levaram a se acidentar. Perceber que houve uma falha o faz refletir sobre si mesmo.  O roteiro de Edson Oda toca em temáticas delicadas e faz o espectador mergulhar em questionamentos sobre cada coadjuvante que participa do experimento. Existem momentos sácidos presentes em Alexa

Após o lançamento de Turma da Mônica-Laços, o diretor Daniel Rezende ressaltou em entrevistas que gostaria de acompanhar o crescimento do quarteto de protagonistas nas telas. Com Turma da Mônica-Lições, toda a turminha retorna nos devidos personagens e eles estão crescendo. O roteiro foca no valor da amizade e em crescer de forma dolorosa e sensível. Após alguns desentendimentos entre os adultos, Mônica e transferida para uma escola integral e fica longe dos amigos. A falta faz com que os amigos reflitam sobre amizade e como lidar com situações e sentimentos novos. O arco do quarteto é de fundamental importância, pois toca em questões atuais: Magali precisa lidar com a ansiedade e compulsão alimentar; Cebolina começa um tratamento com a fonoaudióloga para falar dileito, ou melhor, direto; Cascão começa a fazer natação para perder o medo de água e Mônica precisa lidar com decisões importantes. Para o público infantil são temáticas difíceis abordadas de uma forma leve e sensível. Infeliz

Se existe um diretor que sabe dançar conforme o mercado é Steven Spielberg. No começo da carreira o diretor compreendeu o que Holywood queria e lançou Tubarão. Claro que na época, Spielberg não imaginava que a sugestão do terror causaria tamanha expectativa no público. Conclusão: Tubarão foi um dos maiores sucessos de bilheteria americanos e consolidou o termo blockbuster nos cinemas. O mesmo diretor de sucessos comerciais também nos apresentou filmes emblemáticos como A Cor Púrpura e A Lista de Schindler, quando ganhou o primeiro Oscar na direção e melhor filme. Mas imaginar que o diretor fosse dirigir um musical seria um tanto quanto improvável. E não é que Spielberg  prova mais um vez que não é um dos maiores diretores da atualidade à toa, ele simplesmente proporcionou ao remake do clássico West Side Story, de 1961, a modernidade necessária e acima de tudo imprime assinatura. Spielberg está de volta com grandes chances de levar o Oscar.  O remake segue a mesma cartilha do original:

  A quebra do mito do Cowboy foi sentida com delicadeza em O Segredo de BrokeBack Mountain, pelo olhar de Ang Lee. O ano do lançamento foi 2005 e dentro da Academia obteve resistência e boicote dos votantes veteranos. Anos após a premiação chega aos cinemas o filme de Jane Campion, Ataque dos Cães, que precisa enfrentar outro tipo de resistência: o carimbo Netflix. Não é segredo para ninguém que a rejeição com filmes de streaming é pública e notória na premiação. Coube a Jane a adaptação do livro de Thomas Savage que explora a desconstrução da figura do Cowboy explorando o viés da masculinidade tóxica. O protagonista Phil Burbank camufla sentimentos e apresenta uma personalidade arredia beirando a maldade. O sentimento de rancor fica em evidência quando o irmão George casa-se com a viúva Rose. Ela vê sua delicadeza ruir justamente pelo rancor de Phil. Porém, uma mudança singela é sentida pelo protagonista com a presença do jovem Peter, filho de Rose. O único que tenta domar o animal qu

Falling-Ainda Há Tempo é um longa que explora opostos refletivos nos pensamentos entre duas gerações distintas. Willis está começando a sofrer de demência e precisa viver com o filho John. Além dos lapsos de memória que dificultam a relação, John precisa lidar com o preconceito, o pai não aceita a presença do companheiro Eric. O roteiro explora um breve período da relação do presente enquanto alterna com flashbacks a criação rígida de Willis com os filhos. Passado e presente provocam cansaço no espectador, pois a todo momento o ritmo da narrativa é quebrado para explorar o passado da família.  A direção é de  Viggo Mortensen  que foca na interpretação dos atores proporcionando a sensação de estarmos vendo uma peça teatral. Essa aspecto não prejudica o ritmo do longa, pois ao optar por uma câmera estável no presente, Viggo intensifica a tensão entre pai e filho. Já nos flashbacks o diretor apresenta movimentos de câmera que acompanham a rigidez de Willis quando jovem. Vale ressaltar tam

  Casa Gucci possui tantos equívocos que durante toda a projeção eu realmente me questionava se estava assistindo um filme com a assinatura de Ridley Scott. Devo confessar que o diretor me enganou por um determinado período do longa. A primeira hora do filme me envolveu de tal forma que estava empolgada com o amor dos jovens Maurizio e Patrizia. A cena em que os personagens dançam demonstra perfeitamente o contraste entre as personalidades. Ele possui um charme e timidez; já Ela é pura sedução com passos de dança que parecem ser tirados de um clip de  Lady Gaga . Brincadeiras à parte, o contraste entre as personalidades envolve o espectador. Existe uma felicidade mutua compartilhada pelo casal que é quebrada quando surgem às intrigas, traição e jogo de poder pela pele Gucci, como afirma Patrizia em determinado momento. A trama se perde por completo quando Ridley explora a atmosfera densa da família. É compreensível que a atmosfera fosse modificada até porque o amor do casal é substituí

Deserto Particular vem colecionando prêmios em diversos festivais e é o representante brasileiro para concorrer a uma vaga na categoria de filme internacional, no Oscar em 2022. Aly Muritiba remota a temática que explorou em Ferrugem, o ambiente virtual, só que com uma atmosfera mais amena voltada para a busca pelo amor. Na trama Daniel troca mensagens com Sara e a partir do momento que ela não retorna o contato, o protagonista começa uma viagem para conhecer pessoalmente a amada. O roteiro também de Aly destaca o arco de Daniel e Robson, além de desenvolver alguns coadjuvantes importantes ressaltando subtramas que reforçam preconceitos e estereótipos. A avó de Robson tenta encaixá-lo em um padrão o levando para frequentar a igreja. O pastor da igreja também precisa  esconder um desejo maior, mas encontrou no senhor o amparo que necessitava. Mas será que o pastor é feliz? Já Robson encontra amparo no melhor amigo, dono de um salão e que o auxilia nos momentos mais intensos e cruciais.

  Em Ghostbusters-Mais Além, algo de estranho acontece não na vizinhança, como ressalta a trilha de Ray Porter Jr, agora tudo acontece em uma cidade tipicamente interiorana. Phoebe é a neta de Dr. Egon que começa a encontrar os objetos de trabalho do avô. Não tarda para que a personagem chegue ao uniforme e aos equipamentos tão característicos da franquia. Ao manusear um deles, Phoebe liberta um fantasma que começa a destruir toda cidade. Em outro núcleo, o roteiro explora o arco de Trevor, irmão mais velho da protagonista. Cabe ao irmão encontrar o carro com o emblema que logo envolve o espectador adulto. A caça ao pequeno e guloso fantasma abre espaço para um portal misterioso que desperta antigas criaturas. O objetivo do roteiro é estabelecer uma conexão com o passado e atualizar a franquia renovando o elenco. Apesar de prolongar a narrativa com subtramas adolescentes que não acrescentam muito no todo, o grande acerto é o arco da jovem Phoebe que sempre acreditou em Egon. O arco da

Noite Passada em Soho é um ponto de virada na carreira de  Edgar Wright  que aposta em um thriller psicológico ambientado em Londres nos anos 60. O diretor explora a aura da época com uma atmosfera peculiar tensa. A trama gira em torno da jovem Eloise que ao passar para a faculdade de moda começa a morar em Londres. A adaptação é difícil e buscando um lugar mais tranquilo, a protagonista aluga um quarto na casa de Srta. Colins. Com o passar dos dias, Eloise começa a ter sonhos estranhos com a jovem Sandie, que sonha em ser cantora nos anos 60. O roteiro também de Edgar explora a transição entre o passado e presente e como a jovem tenta ajudar Sandie.   O que atrai o espectador também o afasta durante toda a narrativa. A trama dos anos 60 é mais intensa e pulsante do que a do presente. A fotografia neon reforça a atmosfera tensa que envolve o arco de   Anya Taylor-Joy , além da trilha específica responsável por transportar o espectador para a década proposta. O arco de Sandie é atrativo

Identidade é um filme que se passa na década de 1920, quando muitos negros, nos Estados Unidos, migravam do sul para o norte em busca de uma vida melhor, mas também na ilusão de sofrer menos com o racismo. Uma das primeiras cenas do longa é Irene entrando em uma cafeteria e encontrando uma amiga da adolescência. O choque é inevitável, pois Clare não somente é considerada branca como também é aceita no local. É evidente o contraste entre as duas personagens. Irene evita ao máximo entrar na cafeteria, mas o calor é tamanho que ao entrar ela sente os olhares preconceituosos dos frequentadores locais mesmo sendo considerada branca. Durante os atos Rebecca Hall apresenta os arcos das personagens sempre ressaltando os contrastes de personalidades e principalmente o que uma rejeita na outra. Existe o desejo de Clare em viver a vida de Irene. A personagem exerce a liberdade por se passar por branca e ser casada com um homem rico. Frequenta a alta sociedade e relata que a filha logo irá para o

O cinema vive de ciclos que retornam em uma roupagem diferenciada. O gênero western teve seu apogeu nas mãos de John Ford. Já a presença marcante de  Clint Eastwood  proporcionou uma retomada com Os Imperdoáveis. O que o gênero e Clint nos apresenta de semelhanças? Autoria, trilha sonora, mulheres indefesas e elenco branco. Se o espectador piscar perde a presença de um figurante negro. Décadas se passaram e Jeymes Samuel proporciona uma roupagem atualizada para o espectador. Mulheres fortes, trilha pop, sangue (muito sangue) e um elenco totalmente composto por atores negros. Se você piscar encontra uma cena com coadjuvantes brancos. A trama gira em torno de Nat Love que possui uma marca na testa deixada pelo temido Rufus Buck. A marca é resultado de um acerto de contas que Rufus teve com a família de Love. O tempo passou e a marca ficou. Não somente no aspecto físico como também na alma alimentada pela vingança.  O roteiro de Jeymes destaca a dualidade de cada personagem com camadas in

O jovem Samuel conhece pouco do mundo, tudo conhecimento adquirido pelo jovem é proporcionado pela mãe que o cria em uma redoma. A casa isolada é repleta de mistérios envolvendo também o passado da família. Samuel ficou paraplégico após sofrer um acidente de carro com o pai. Com o passar dos anos Samuel nutre a inquietação de conhecer o mundo, especialmente tudo que seja ligado à música. Na data de seu aniversário, ele deseja assistir um concerto musical. Tudo muda com a chegada de Denise, uma jovem que desperta sentimentos e desejos em Samuel. A adolescente o instiga e lhe apresenta novas descobertas. Claro que Elena, mãe de Samuel, não gosta da aproximação, mas precisa da jovem para outros fins familiares. O roteiro apresenta aos poucos os conflitos internos de cada personagem. Alguns envolvem o espectador somente pela excentricidade, porém o foco é no jovem Samuel que pela impossibilidade de andar depende exclusivamente dos cuidados da mãe. Elena se sente ameaçada pela chegada e bel

De tempos em tempos alguns diretores apresentam ao espectador uma trama voltada para um casal em crise que inevitavelmente acaba se separando. Recentemente tivemos História de Um Casamento . Mas o mestre Ingmar Bergman é que realmente sabia como ninguém retratar a temática, em Cenas de Um  Casamento. Porém, um diretor como Bergman é o que podemos classificar de Gênio. E gênios estão em outro patamar. Para os mêros mortais, após Noah Baumbach, agora é a vez de William Nicholson mostrar a sua versão do casamento e a crise do casal em Enquanto Houver Amor.  William prepara o espectador ressaltando a atmosfera do casal. Pura rotina e diálogos automáticos que irritam profundamente Grace. A protagonista está presente na relação e como acontece em determinados filmes que abordam esta temática, ela é a que mais sofre com o divórcio. O distanciamento de Edward é nítido logo que observamos o personagem. Ele é a razão que alerta a esposa pelo fato do relacionamento nunca ter existido e que ele pr

  O Pergaminho Vermelho, a primeira animação brasileira adicionada no serviço de streaming da Disney+, acompanha a trajetória da adolescente Nina, que vive os conflitos da idade repleta de turbulências, além de ter que lidar com as constantes discussões dos pais em casa. Com o ambiente conturbado, a jovem decide sair e andar de skate. A fuga da realidade leva a pequena protagonista a um mundo paralelo e a faz refletir sobre diversas temáticas. Nina é transportada para um mundo paralelo por ter achado o pergaminho vermelho. O objeto faz da protagonista a escolhida para salvar um povo das forças das trevas. A rainha está amaldiçoada e com a ajuda de velhos e novos amigos, Nina enfrenta obstáculos para tentar concluir sua missão e retornar para casa. O roteiro explora valores como amizade, companheirismo, ciúmes, maldade e acima de tudo, a importância de crescer e assumir responsabilidades. A animação envolve os pequenos e os adultos. A trama prende a atenção dos pequenos porque existe um

A aposta da Marvel para a fase quatro do universo compartilhado é arriscada. Eternos surge proporcionando respiro para o espectador. O choque é inevitável e pode ser considerado um novo marco do estúdio. Personagens são apresentados com a leveza e sensibilidade de Chloé Zhao na direção. A Marvel de tempos em tempos aposta na autoria de alguns diretores, como  Ryan Coogler , responsável direto por modificar os rumos dentro do universo. O filme do diretor abriu espaço para uma nova vertente focando em uma temática intensa que movia a narrativa como um todo. No filme de Chloé, repleto de autoria, a trama gira em torno de um grupo, Eternos, modificado geneticamente por deuses espaciais conhecidos como Celestiais, que precisam salvar o mundo de uma ameaça maior, os Deviantes. Ryan foi direto, diferente de Chloé, que toca em várias temáticas e não as desenvolve com tamanha intensidade. A diretora literamente abraçou o mundo e perde o foco em determinados momentos.  O cuidado com o roteiro am

Assistir  Tom Hardy  em cena é sempre uma experiência impactante e em Venom-Tempo de Carnificina ela é ainda mais negativa. É nítido que o ator gosta de interpretar Eddie Brock e tem uma relação de amor e ódio com o simbiote, o problema é todo restante que realmente não funciona em nenhum quesito. O ator está mais solto na sequência e consegue interagir de forma espontânea com a alienígena digital, porém são tantos problemas que a interpetação de Hardy fica em último plano. A trama segue diretamente dos eventos ocorridos no primeiro longa. Eddie é foragido da polícia, mas continua a trabalhar como repórter (vai entender). Ok, o mundo não sabe que ambos são praticamente a mesma pessoa, mas ambientar o espectador é o mínimo que se espera da base do roteiro. O jornalista consegue um furo de reportagem ao entrevistar o serial killer Cletus Kasady, que aguarda execução pelos crimes cometidos. O último desejo do personagem é conversar com Brock, o que não fica muito claro são as motivações p

O filme Mariguella, estreia de Wagner Moura na direção, faz um recorte dos últimos anos da vida do guerrilheiro, além de abordar as relações com os companheiros de luta e familiares. O roteiro de Wagner e Felipe Braga, inspirado no livro Mariguella: o guerrilheiro que incendiou o mundo, de Mário Magalhães, equilíbra o lado revolucionário e humano do protagonista. Aos poucos cada companheiro sofre com a tortura que foi amplamente camuflada, no período da Ditadura Militar, pela tríade: governo, imprensa e polícia. Com muita resistência, Mariguella consegue o apoio de outra tríade: jovens, igreja e alguns veículos de comunicação. Felipe ressalta o arco de cada personagem destacando as vertentes citadas. Cada um defende ideais democráticos, e, claro, sofre as consequênciais com à morte.    O primeiro trabalho de Wagner na direção alterna entre a urgência que a temática necessita e momentos brandos voltados para o núcleo familiar. A urgência pulsa com a câmera na mão acompanhando Seu Jorge

Daniel Graig interpretou o agente 007 por quinze anos e durante os primeiros longas teve que suportar inúmeras críticas sobre como seria capaz de estar à altura dos demais antecessores.  Daniel não provou somente que era excelente no papel de espião, como também abriu portas para uma nova vertente do protagonista. O que importa não é encaixar no perfil pré-estabelecido de James Bond, o primordial é ser um ótimo ator. Em Sem Tempo para Morrer, Graig se despede em grande estilo do protagonista que apresenta ao espectador um pouco do machismo característico do personagem, mas acrescenta camadas de humanidade para Bond. A trama resgata personagens de filmes anteriores e intensifica coadjuvantes para que essa veia imprescindível do agente venha à tona. Só de olhar para determinado personagem James sabe que precisa mudar. O protagonista tenta viver de uma forma pacífica na Jamaica, após a aposentadoria da MI6, mas a tranquilidade dura pouco quando o amigo Felix Leiter o procura para uma nova